Ce remarquable vide-poche bleu Georges Pelletier date des années 1970. Son format généreux et sa forme carrée mettent en valeur une composition géométrique particulièrement élaborée.

Au centre, neuf motifs circulaires forment une grille régulière. Leurs nuances de bleu profond et de vert contrastent avec leurs cœurs dorés. Ensuite, plusieurs encadrements concentriques prolongent ce décor central. Une succession de petits cercles bleus, de points argentés et de filets métallisés crée ainsi un effet graphique dense et rythmé.

La composition rappelle une mosaïque moderniste ou un petit tableau abstrait. De plus, l’organisation très structurée des formes souligne parfaitement les lignes carrées du vide-poche.

Des bordures argentées qui captent la lumière

Georges Pelletier associe ici différentes nuances de bleu, du bleu clair grisé au bleu cobalt. Par ailleurs, des touches vertes entourent les neuf motifs centraux et enrichissent la palette.

Des filets dorés, cuivrés et argentés séparent les différentes zones du décor. Surtout, une finition argentée recouvre les larges bords extérieurs. La lumière anime donc constamment la surface de la pièce. Selon l’angle d’observation, les effets métallisés révèlent des reflets argent, or ou cuivre.

La matière texturée renforce également ce jeu de lumière. En effet, les reliefs de la céramique accrochent les reflets et donnent une belle profondeur à l’ensemble.

Une céramique à poser ou à accrocher au mur

Grâce à sa forme creuse, cette pièce peut servir de vide-poche ou de coupe décorative. Cependant, son décor très construit permet aussi de l’exposer comme une véritable œuvre murale.

Un anneau métallique fixé au revers facilite son accrochage. De plus, quatre patins de feutre protègent le dessous lorsque la pièce repose sur une console, une table basse ou un meuble.

Enfin, Georges Pelletier signe le revers en lettres dorées. La pièce présente un très bon état général.

Dimensions et caractéristiques

• Longueur : 21,7 cm
• Largeur : 19,6 cm
• Hauteur : 4,2 cm
• Époque : années 1970
• Matière : céramique émaillée
• Couleurs : bleu, vert, argent, or et cuivre
• Signature : « PELLETIER » au revers
• État : très bon état

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Tout d’abord, la manufacture autrichienne Gmundner Keramik a conçu ce miroir mural au milieu du XXe siècle. Son encadrement en céramique adopte une forme rectangulaire libre, avec des contours arrondis et légèrement mouvementés. Ainsi, sa silhouette organique rappelle immédiatement les créations décoratives des années 1950-1960.

De plus, un émail jaune chartreuse donne au cadre une couleur vive et chaleureuse. La lumière révèle également un fin réseau de craquelures à la surface. Ensuite, les artisans ont tracé à la main une frise brune autour de la glace. Ce motif ondulé accompagne les courbes du miroir et souligne son relief.

Par conséquent, le décor attire le regard sans alourdir l’ensemble. Les petites irrégularités de la matière renforcent aussi le caractère artisanal de la pièce. Enfin, la profondeur du cadre transforme ce miroir Gmundner Keramik vintage en véritable objet sculptural.

Le savoir-faire de Gmundner Keramik

Gmundner Keramik travaille la céramique à Gmunden, dans la région autrichienne du Salzkammergut. Depuis plusieurs siècles, cette ville entretient une importante tradition potière. Au cours du XXe siècle, la manufacture a développé de nombreux objets décoratifs aux formes modernes et aux couleurs franches.

En effet, ce miroir illustre parfaitement la rencontre entre savoir-faire traditionnel et modernité. D’une part, la céramique apporte de la matière et du relief. D’autre part, la forme libre évoque les recherches artistiques de l’après-guerre. De plus, la couleur jaune chartreuse donne à l’ensemble une identité forte.

Grâce à son format compact, ce miroir mural s’intègre facilement dans différents espaces. Par exemple, il pourra illuminer une entrée, une chambre ou une salle de bains. Par ailleurs, il pourra rejoindre une composition de miroirs et de céramiques vintage.

Cependant, sa silhouette expressive lui permet également d’occuper seul un petit pan de mur. Enfin, son émail lumineux s’accordera aussi bien avec du mobilier ancien qu’avec un intérieur contemporain.

État et dimensions du miroir

Le cadre en céramique conserve un très bel état général. Tout d’abord, il ne montre ni éclat ni fêle. Ensuite, le fin réseau de craquelures correspond à l’aspect ancien de l’émail et souligne sa patine.

La glace présente plusieurs rayures, petites marques et traces d’usage. Toutefois, ces marques restent cohérentes avec l’âge de la pièce. Les photographies permettent d’ailleurs de les observer avec précision.

Enfin, ce miroir Gmundner Keramik vintage constitue un bel exemple de décoration autrichienne du milieu du XXe siècle. Sa forme organique, son décor graphique et sa couleur lumineuse lui donnent un charme singulier.

Fabricant : Gmundner Keramik
Origine : Autriche
Époque : années 1950-1960
Matériaux : céramique émaillée et miroir
Couleurs : jaune chartreuse et brun
Hauteur : 33 cm
Largeur maximale : 21 cm
État : très bel état du cadre ; marques et rayures d’ancienneté sur la glace, notez la présence du reste de l’étiquette que je n’ai pas retirée.

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Yves Neveu compose ce panneau en céramique dans les années 1950, au cœur du renouveau artistique de l’après-guerre. L’œuvre réunit plusieurs carreaux émaillés sur un panneau de bois noir. Ainsi, l’artiste transforme ce support traditionnel en une véritable peinture murale.

Tout d’abord, la composition attire le regard par son importante étoile de mer rouge. Autour de cette figure centrale, Yves Neveu déploie un univers méditerranéen particulièrement vivant. On découvre notamment un personnage en marinière, un poisson, plusieurs embarcations et une végétation stylisée. De plus, les lignes noires structurent chaque élément et assurent l’unité de la scène.

La palette associe le rouge, le bleu turquoise, le bleu profond, le vert, le jaune et l’ocre. Par conséquent, les couleurs franches donnent au panneau une présence décorative remarquable. Les émaux brillants captent également la lumière et révèlent un fin réseau de craquelures.

Enfin, Yves Neveu inscrit sa signature en bas à droite de la composition.

Yves Neveu et la céramique de la Côte d’Azur

Yves Neveu exerce son activité de céramiste à Cannes dès la fin des années 1940. Le Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne conserve notamment un plat de l’artiste daté de 1948-1949. Cette présence dans une collection publique confirme donc l’intérêt historique de son travail.

Par ailleurs, plusieurs œuvres connues rattachent Yves Neveu à l’univers de Vallauris et de la Côte d’Azur. Ses créations privilégient souvent les personnages, les animaux et les couleurs contrastées. De même, son dessin souple et expressif rejoint la liberté graphique qui caractérise la céramique méditerranéenne de cette période.

Ce panneau mural constitue toutefois une réalisation particulièrement ambitieuse par son format et la richesse de son sujet. Grâce à ses nombreux carreaux, l’artiste développe une scène narrative qui mêle bord de mer, figure humaine et motifs marins.

Une œuvre murale haute en couleur

Ce panneau en céramique Yves Neveu pourra occuper seul un mur ou rejoindre une collection de céramiques des années 1950. En effet, son format vertical convient aussi bien à une entrée qu’à un salon ou une chambre.

Le panneau conserve un bel aspect décoratif général. Cependant, les carreaux montrent des craquelures d’émail, des rayures, de petites égrenures et quelques manques ponctuels. Le support en bois présente également des traces et marques d’ancienneté. Les photographies permettent d’observer précisément ces différents détails.

Artiste : Yves Neveu
Signature : « Yves Neveu » en bas à droite
Origine : France, Côte d’Azur
Époque : années 1950
Technique : carreaux de céramique à décor polychrome émaillé
Support : panneau de bois peint en noir
Dimensions de la céramique : 45,7 × 30,3 cm
Dimensions totales : 47,8 × 32,5 cm
État : craquelures d’émail, marques d’usage, petites égrenures et manques ponctuels, possible réparation restaurée en haut a droite, trace de casse.

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Cette remarquable soupière céramique Albert Thiry forme un ensemble complet avec son couvercle et son grand plat de présentation. Albert Thiry réalise probablement cette création dans les années 1960-1970 à Vallauris.

Les trois éléments partagent le même vocabulaire décoratif. Ainsi, le plat, la soupière et son couvercle associent des scarifications rayonnantes à une palette délicate de blanc, de vert et de rose. Cette grande cohérence confirme que les différentes pièces appartiennent bien au même ensemble.

Un ensemble complet et particulièrement décoratif

La soupière adopte une forme généreuse, légèrement ventrue, accompagnée de deux grandes anses latérales. Ensuite, son col plus étroit apporte de l’élégance à sa silhouette. Le couvercle reprend parfaitement ses proportions et se termine par une importante poignée arquée.

De plus, le grand plat circulaire offre une assise ample à la soupière. Son diamètre de 32 cm souligne la présence de l’ensemble lorsqu’il repose sur une table, une console ou un buffet.

Une fois les trois éléments réunis, les motifs scarifiés se répondent naturellement. En effet, les lignes rayonnantes du plat prolongent celles de la soupière et du couvercle. L’ensemble forme alors une véritable sculpture décorative.

Des scarifications et des émaux caractéristiques

Albert Thiry anime la terre grâce à un décor profondément incisé. Les motifs allongés laissent apparaître la couleur brune de la céramique sous l’émail blanc. Par ailleurs, des applications de vert, de rose et de brun créent des effets nuancés et légèrement abstraits.

Les variations de matière, les traces du façonnage et les changements de couleur témoignent directement du travail artisanal. Ainsi, la surface révèle une multitude de détails selon la lumière et l’angle d’observation.

Le centre du plat présente également un décor circulaire vert. Autour de celui-ci, les scarifications composent une large couronne rayonnante qui évoque une fleur ou un soleil stylisé.

Un plat qui devient une décoration murale

Le grand plat possède un système de fixation au revers. Il peut donc rejoindre une composition murale lorsque la soupière ne repose pas dessus.

Cependant, la vente de l’ensemble complet conserve tout son sens. La parfaite correspondance des formes, des émaux et des scarifications apporte une valeur décorative et documentaire supérieure à celle des pièces vendues séparément.

Signatures et état

La soupière et le plat portent chacun une signature d’Albert Thiry sous leur base.

La soupière, son corps et son couvercle présentent un parfait état. Le plat comporte deux petits éclats sur son pourtour. Les photographies montrent précisément ces défauts, qui restent discrets et n’altèrent ni la solidité ni la qualité décorative de l’ensemble.

Dimensions

• Soupière : environ 24 cm de hauteur avec la poignée
• Largeur de la soupière avec les anses : environ 26 cm
• Diamètre du plat : 32 cm
• Ensemble composé de trois éléments : soupière, couvercle et plat
• Époque : vers 1960-1970
• Matière : céramique émaillée et scarifiée
• Couleurs : blanc, vert, rose et brun
• État : soupière et couvercle parfaits ; deux petits éclats sur le plat

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Ce plat Jacques Pouchain oiseaux présente une remarquable composition animalière dans laquelle deux oiseaux stylisés s’imbriquent au centre d’un profond encadrement bleu cobalt. Réalisée à Dieulefit vers les années 1960-1970, cette céramique associe avec force la figuration, l’abstraction et la recherche sur les émaux.

Tout d’abord, le contour bleu souligne la forme quadrangulaire aux angles arrondis. Cette couleur intense encadre la scène et lui donne immédiatement de la profondeur. Elle transforme également la bordure du plat en véritable cadre pictural.

Au centre, les deux oiseaux se répondent à travers un jeu de courbes, d’aplats et de lignes géométriques. Leurs corps, leurs ailes et leurs becs apparaissent progressivement lorsque le regard parcourt la composition. Ainsi, Jacques Pouchain ne cherche pas une représentation naturaliste. Il simplifie les formes afin de créer un décor moderne, libre et particulièrement expressif.

Des oiseaux au cœur d’une composition polychrome

Les oiseaux associent des teintes rose poudré, rouge, lie-de-vin, ocre, brun, vert pâle, gris et bleu. De plus, les réserves de terre nue dessinent leurs contours et séparent les différentes zones d’émail.

Le décor joue donc autant sur la couleur que sur la matière. Certaines parties présentent une surface lisse et brillante, tandis que d’autres révèlent des effets mouchetés, granuleux ou légèrement bullés. Selon la lumière, ces variations de cuisson font apparaître de nouveaux détails et modifient subtilement la perception des couleurs.

Par ailleurs, l’imbrication des oiseaux apporte un véritable mouvement à la scène. Les formes semblent se croiser, se poursuivre et presque se fondre les unes dans les autres. Cette construction donne au plat une force graphique proche de la peinture abstraite.

Le bestiaire moderne de Jacques Pouchain

Jacques Pouchain (1927–2015) étudie d’abord l’architecture à Paris, puis fréquente l’Académie de la Grande Chaumière. En 1951, il quitte la capitale et rejoint la Drôme afin de poursuivre son travail de peintre.

Il travaille ensuite comme décorateur-modéliste à la faïencerie Coursange du Poët-Laval jusqu’en 1957. Durant cette période, il renouvelle les formes, les couleurs et les décors de la manufacture. Puis, en 1959, il crée son propre atelier à Dieulefit.

Dès lors, Pouchain développe parallèlement la peinture, la sculpture et la céramique. Les oiseaux, les poissons, les figures humaines et les animaux occupent une place importante dans son univers. Cependant, il les traite toujours avec une grande liberté, en associant la figuration à un langage résolument abstrait.

Ce plat illustre parfaitement cette démarche. En effet, les oiseaux restent reconnaissables, mais leurs silhouettes se transforment en un assemblage de formes, de couleurs et de matières.

Une céramique de Jacques Pouchain pleinement signée

Le revers porte une grande signature manuscrite « Jacques Pouchain – Dieulefit ». En outre, un monogramme circulaire JP apparaît en creux dans la terre. Cette double identification renforce le caractère personnel de la pièce.

Deux perforations d’origine, intégrées au talon, permettent de présenter facilement le plat au mur. Il devient alors un véritable tableau de céramique et révèle pleinement la puissance de sa composition.

Enfin, la pièce présente un très bel état général. Les petites irrégularités, variations de surface et effets de matière résultent du travail des émaux et de la cuisson. Elles participent donc pleinement au caractère de cette céramique d’artiste.

Caractéristiques

• Artiste : Jacques Pouchain (1927–2015)
• Origine : Dieulefit, Drôme
• Époque : vers les années 1960-1970
• Matière : céramique émaillée
• Forme : quadrangulaire à angles arrondis
• Décor : oiseaux stylisés imbriqués
• Couleurs : bleu cobalt, rose, rouge, lie-de-vin, ocre, brun, vert pâle, gris et blanc
• Signature : « Jacques Pouchain – Dieulefit » sous la base
• Marque : monogramme circulaire JP en creux
• Accrochage : deux perforations d’origine au revers
• Dimensions : 29 × 31,5 cm
• État : très bel état général ; variations et irrégularités naturelles des émaux

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Gilbert Portanier réalise cet important plat mural en céramique à Vallauris en 1978.

Tout d’abord, le regard rencontre une composition libre et foisonnante, peuplée de silhouettes et de visages stylisés. L’artiste associe des traits noirs et verts à des aplats rose tendre, des touches jaunes et de larges courbes orangées. Ainsi, il donne naissance à une scène vivante, presque théâtrale.

De plus, la large aile émaillée d’un vert profond forme un cadre particulièrement lumineux autour du décor central. Elle accentue la présence graphique de cette grande céramique murale et met en valeur la délicatesse du dessin.

Une céramique de Vallauris très expressive

Ce grand plat mural de Gilbert Portanier réunit plusieurs éléments caractéristiques du langage de l’artiste. En effet, Portanier associe la liberté du trait, les figures humaines esquissées et la superposition des couleurs. Il trouve ainsi un bel équilibre entre spontanéité graphique et maîtrise de la matière.

Par ailleurs, les personnages semblent apparaître progressivement au milieu des aplats colorés. Certains visages naissent de quelques lignes seulement, tandis que d’autres se détachent davantage de la composition. Cette diversité apporte au décor son rythme et son caractère profondément vivant.

Grâce à son diamètre généreux de 42,7 cm, ce plat mural en céramique possède une véritable présence décorative. Il trouvera facilement sa place seul sur un mur, posé sur un meuble ou au sein d’une collection de céramiques françaises de Vallauris.

Une œuvre signée et datée de 1978

Gilbert Portanier signe et date « Portanier 78 » sur la face du plat. Ensuite, l’artiste appose une seconde signature accompagnée de la date au revers. Ces deux inscriptions confirment clairement l’auteur et l’année de création de la pièce.

Enfin, un dispositif de suspension présent au revers permet d’accrocher facilement ce grand plat mural de Gilbert Portanier.

Caractéristiques

Artiste : Gilbert Portanier (1926-2023)
Origine : Vallauris, France
Date : 1978
Matière : céramique peinte et émaillée
Décor : composition aux personnages et visages stylisés
Diamètre : 42,7 cm
Hauteur / profondeur : 3,8 cm
Signature : « Portanier 78 » sur la face
Revers : contresignature et date
Présentation : dispositif d’accrochage mural présent au revers

État

Ce grand plat mural se trouve dans un parfait état de conservation.

Il ne présente aucun fêle, aucun éclat et aucune restauration.

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Ce grand plat en céramique d’Eliezer Halivny (1901–1984) attire immédiatement le regard par son décor particulièrement expressif. Une étonnante créature fantastique aux longues cornes recourbées occupe largement la composition. À la fois animale et imaginaire, cette figure confère à la pièce une présence véritablement singulière.

Une créature fantastique au dessin très expressif

Tout d’abord, le décor séduit par la richesse de son graphisme. Eliezer Halivny construit le corps de l’animal à partir de différentes zones colorées, parcourues de nombreux motifs gravés. Ce réseau de lignes libres et spontanées anime toute la surface du plat.

Les teintes de bleu cobalt, de brun, d’ocre, de noir et de gris se détachent avec force sur le fond blanc émaillé. De plus, les longues cornes, les oreilles effilées et le regard presque humain de la créature renforcent le caractère onirique de la scène.

Par ailleurs, le mouvement des pattes et la position du corps donnent l’impression que l’animal traverse le plat en pleine course. Ainsi, malgré le format circulaire de la pièce, la composition conserve une grande vivacité.

Un riche travail de gravure et d’émail

Ensuite, le travail de surface mérite une attention particulière. L’artiste associe les traits gravés, les réserves et les émaux colorés afin de créer une matière riche et très vivante. Ces différentes techniques apportent également de subtils contrastes entre les zones brillantes, mates et graphiques.

Le bleu profond du poitrail forme notamment un puissant point d’intensité au centre du décor. En outre, les tonalités brunes et ocre apportent de la chaleur, tandis que le noir et le gris soulignent les cornes, le visage et les extrémités de l’animal.

Selon la lumière, les émaux révèlent différentes nuances et accentuent les détails du dessin. Le plat change ainsi légèrement d’expression en fonction de son emplacement et de l’éclairage.

Une grande pièce décorative du XXe siècle

Le fond blanc présente un fin réseau de craquelures d’émail. Cependant, ce craquelé reste cohérent avec l’âge et la technique de fabrication de la pièce. Il participe même à son caractère et souligne l’aspect authentique de cette céramique ancienne.

Grâce à son important diamètre de 37,2 cm, ce plat trouvera facilement sa place sur un meuble, sur un support adapté ou dans une composition murale. Il constitue donc autant un objet décoratif qu’une véritable œuvre de céramique.

Enfin, Eliezer Halivny a signé la pièce sous la base. Le plat conserve un très bel état général. Son sujet insolite, son dessin libre et la richesse de son décor en font une création particulièrement attachante, destinée aux amateurs de céramique d’artiste et d’œuvres figuratives du XXe siècle.

Caractéristiques

• Artiste : Eliezer Halivny (1901–1984)
• Époque : XXe siècle
• Matière : céramique émaillée
• Décor : créature fantastique à longues cornes
• Technique : décor gravé et émaillé
• Diamètre : 37,2 cm
• Signature : signature incisée sous la base
• État : très bel état général ; fin craquelé d’émail visible sur le fond blanc

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Une œuvre où la matière devient le décor

Certaines céramiques séduisent par leur richesse décorative. D’autres, comme ce grand plat de Françoise Blain, captivent par leur sobriété.

Avec son large diamètre de 42,3 cm, cette pièce privilégie les lignes, les volumes et le travail de l’émail. Ici, aucun décor ajouté : la beauté naît de la lumière qui glisse sur une surface satinée aux nuances délicates.

Le regard découvre progressivement les reliefs, les retraits d’émail, les craquelures de cuisson et les petites ouvertures laissant apparaître la terre cuite. Chaque détail témoigne du travail de l’atelier et du caractère unique de cette réalisation.

Une grande pièce sculpturale

Bien qu’il puisse naturellement être utilisé comme plat de présentation, cet objet possède une véritable présence décorative.

Son diamètre généreux de 42,3 cm pour seulement 5,5 cm de hauteur lui confère une élégance discrète qui s’intègre aussi bien dans un intérieur contemporain que dans une collection de céramiques françaises du XXᵉ siècle.

La texture est particulièrement agréable, presque veloutée au toucher, tandis que les nuances grises obtenues lors de la cuisson soulignent les reliefs avec beaucoup de finesse.

Françoise Blain

Installée à La Borne, haut lieu historique de la céramique française, Françoise Blain développe un travail personnel où la forme et la matière priment sur l’ornement.

Ses créations sont immédiatement reconnaissables par leurs émaux sobres, leurs surfaces vivantes et leurs effets naturels de cuisson. Chaque pièce est unique, résultat d’un dialogue entre la terre, le feu et l’émail.

État

La pièce est en excellent état de conservation.

Les fines craquelures, retraits d’émail et variations visibles sont inhérents au processus de création de l’artiste et participent pleinement à l’esthétique de l’œuvre.

Signature incisée « Blain » sous la base.

Caractéristiques

• Céramiste : Françoise Blain
• Signature : incisée sous la base
• Provenance : La Borne, France
• Époque : fin XXᵉ siècle
• Diamètre : 42,3 cm
• Hauteur : 5,5 cm
• État : excellent

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Une céramique décorative signée Albert Thiry

Ce plat mural Albert Thiry est une belle création en céramique réalisée à Vallauris dans les années 1960.

Il présente un décor végétal en relief composé d’une succession de feuilles stylisées. Ce motif forme une élégante frise autour du bassin central. La terre brune reste volontairement visible et contraste avec les émaux blancs et verts.

Cette association de couleurs apporte beaucoup de douceur à l’ensemble. Elle souligne également le caractère artisanal de la pièce. En effet, les nuances varient subtilement selon les zones de cuisson.

Un décor inspiré de la nature

Albert Thiry a souvent puisé son inspiration dans le monde végétal. Ce plat en est un bel exemple.

Les feuilles sont estampées directement dans la terre. Elles créent ainsi un jeu de reliefs particulièrement agréable à observer. De plus, les émaux mettent en valeur chaque détail du décor.

Les tonalités vertes rappellent la nature et renforcent l’esprit organique de la composition. Par ailleurs, la répétition du motif apporte un rythme graphique très équilibré.

Grâce à cette esthétique intemporelle, ce plat conserve aujourd’hui toute sa force décorative.

Une pièce authentique de Vallauris

Vallauris occupe une place importante dans l’histoire de la céramique française du XXe siècle. De nombreux artistes et ateliers y ont développé des créations devenues emblématiques.

L’atelier d’Albert et Pyot Thiry compte parmi les références les plus appréciées des amateurs. Leurs œuvres se distinguent notamment par la qualité des émaux, le travail des matières et l’inspiration puisée dans la nature.

Ce plat mural témoigne parfaitement de ce savoir-faire. Il constitue ainsi une belle pièce pour les collectionneurs comme pour les amateurs de décoration.

Un objet facile à intégrer dans un intérieur

Grâce à son format équilibré, ce plat mural trouve facilement sa place dans de nombreux univers décoratifs.

Il peut être présenté seul sur un mur. Cependant, il fonctionne également très bien dans une composition de céramiques anciennes ou contemporaines.

Son décor végétal apporte de la chaleur à un intérieur. De plus, ses couleurs naturelles s’accordent facilement avec le bois, la pierre ou les matières textiles.

État et dimensions

Le plat est en très bon état général.

Aucun éclat, aucune restauration et aucune fêle n’ont été observés.

Le système d’accroche d’origine est toujours présent au revers. Il permet une installation murale immédiate.

Dimensions

• Diamètre : 23,5 cm
• Hauteur : 3,7 cm

Signature

Pièce signée « Thiry » au revers.

Une pièce de caractère

Ce plat mural Albert Thiry séduira les amateurs de céramique de Vallauris et de décoration vintage.

Son décor de feuillage, ses belles nuances d’émail et son authenticité en font une pièce pleine de charme. Enfin, son format pratique permet de l’intégrer facilement dans une collection ou dans un projet de décoration intérieure.

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